La Pianta In Quattro Punti Di Al Gury Spiega Come Usare Il Colore Per Creare Profondità E Suggerire Tre Dimensioni
Girasoli toscani di Al Gury
, olio su pannello, 36×30 cm (La profondità è stata creata utilizzando pennellate più nitide, cromatiche ed espressive nei fiori, mentre pennellate più morbide e colori più freddi hanno aiutato altre aree a retrocedere.)
L’illusione della profondità è uno dei tratti distintivi della pittura rappresentativa. Paesaggio, natura morta, ritratti e dipinti figurativi dipendono tutti da illusioni di forme tridimensionali che escono negli spazi percettivi. Mentre alcune opere d’arte che utilizzano le immagini non richiedono illusioni di profondità per trasmettere la loro narrativa visiva, molte lo fanno, in particolare nei metodi di pittura tradizionali.
Una combinazione di diversi principi artistici è necessaria per creare un senso di profondità in un dipinto. Il colore è un elemento importante, ma da solo potrebbe non dare l’illusione di profondità a un dipinto.
Il colore deve essere modificato e aggiunto alle intensità cromatiche, alle descrizioni dei bordi, ai tipi di pennellate e ai dettagli e alle dimensioni dei tocchi di colore nell’immagine. Il pacchetto completo crea una prospettiva aerea e illusioni di profondità attraverso le relazioni tra elementi tecnici e visivi.
Queste descrizioni ti aiuteranno a comprendere gli elementi visivi e formali del colore quando crei profondità nella pittura. I concetti possono essere utilizzati su olio, acrilico, acquerello, guazzo, pastello e altri supporti a colori.
1. Intensità Cromatica
I gradi di intensità cromatica (o luminosità di un colore) possono far sì che le aree si facciano avanti o si allontanino visivamente rispetto ad altre aree di colore. Ad esempio, una pennellata di puro cadmio arancione circondato da colori altrimenti più tenui o più neutri farà apparire l’arancione brillante in un dipinto. Lo stesso Arancio Cadmio, se spezzato o neutralizzato da un complementare o da un altro colore neutro, sembrerà ritirarsi sullo sfondo rispetto ai colori più accesi. Relativamente l’uno all’altro, i colori più luminosi e cromaticamente intensi sembreranno avanzare otticamente rispetto ai colori più neutri nella loro intensità cromatica.
Ci sono molti modi in cui l’intensità cromatica può cambiare. I colori più grigi si ritireranno otticamente accanto ai colori meno grigi. I colori più caldi si allontanano più di quelli più freddi. Le miscele di colori che contengono più pigmento bianco sembreranno ritirarsi accanto ai colori che sono più puri e quindi contengono meno pigmento bianco.
Il pigmento bianco può ridurre l’intensità cromatica o la luminosità di qualsiasi colore. Un po’ di bianco può migliorare un colore vibrante, ma troppo indebolisce l’intensità dei colori. Un modo per pensarci è mettere troppa panna nel caffè: un po’ sostiene il gusto generale, troppo e non è più caffè.
Al Gury,
Nudo disteso Olio su tavola, 23x30cm. (I colori complessivi alti, insieme alla forte varietà di pennellate e piani sullo sfondo, hanno creato una sensazione di profondità.
2. Relazioni Marginali
Una pennellata di colore in un dipinto più luminoso può infatti manifestarsi rispetto a pennellate più morbide e meno cromatiche, ma sono necessari altri elementi per migliorare quell’effetto visivo. La qualità dei bordi delle pennellate e la loro descrizione degli oggetti nel dipinto devono essere modificate per rafforzare la profondità. Se i bordi di un tratto di colore o di un oggetto colorato sono più nitidi e chiari di quelli che li circondano, saranno più efficaci.
La regola generale è che tratti, colori o segni più nitidi, più chiari e più precisi sono migliori di quelli con tratti meno definiti e bordi più morbidi. Combinando questo con il colore, si può dire che i colori con bordi più nitidi e tratti più definiti sono più popolari di quelli con bordi più morbidi o tratti meno netti.
Inoltre, i colori che sono anche più luminosi, più altamente cromatici e hanno bordi, tratti e forme più chiari, si faranno avanti rispetto a colori che sono più scuri e meno cromatici e hanno bordi, tratti e forme più morbidi. Questa combinazione di chiarezza e morbidezza, in combinazione con i livelli cromatici, è fondamentale nelle opere d’arte in cui è necessaria una vera profondità e una prospettiva aerea.
Un colore o una pennellata possono ancora essere anticipati, anche se sono di colore opaco e fangoso. La profondità può essere raggiunta fintanto che il segno, il tratto o il cerotto sono più chiari di quelli destinati a retrocedere.
Questo vale anche per i colori scuri. Un colore scuro può essere mantenuto sullo sfondo o lontano fintanto che i suoi bordi sono morbidi rispetto ai colori o ai tratti in primo piano. In altre parole, le illusioni di profondità nel colore possono essere manipolate tramite differenze di bordo, indipendentemente dal fatto che i colori siano luminosi, chiari, scuri o opachi, il tutto in relazione l’uno con l’altro.
Al Gury,
Paesaggio estivo , olio su tavola, 30x30cm (L’alta cromia in primo piano risalta in contrasto con i colori netti più indietro)
3. Dimensioni E Scala
Considera che tratti e segni, così come forme di colore, si muovono spazialmente l’uno rispetto all’altro in virtù degli elementi sopra, quindi anche la dimensione e la scala di questi tratti, segni e forme è importante.
Tratti di colore più grandi generalmente si fanno avanti visivamente rispetto a quelli più piccoli. Le aree di colore con forme e bordi più chiari e audaci avvicineranno il primo piano allo spettatore, mentre quelle più piccole e morbide sembreranno allontanarsi in lontananza. Queste idee sono particolarmente utili quando l’artista cerca un primo piano, una parte centrale e uno sfondo chiari e definiti.
Anche le trame vengono modificate da queste idee di scala, bordo, intensità del colore e così via. I dettagli di colore in primo piano dovrebbero anche essere più nitidi e chiari nel tratto, mentre i dettagli in lontananza sarebbero più piccoli e più generalizzati in confronto.
Tratti più ampi, più grandi e più distinti in primo piano sono spesso la soluzione per portare continuamente verso di noi la prospettiva di un paesaggio. L’illusione della prospettiva potrebbe andare persa se l’area in primo piano è troppo piccola.
Al Gury,
Ritratto di uomo , olio su tavola, 41×30 cm (La forza dei piani e le pennellate che descrivono il lato vicino del viso hanno contribuito a dare un senso di struttura e profondità)
4. Valutare Nel Suo Insieme
Valutare e criticare il proprio lavoro è una delle cose più difficili che gli artisti devono fare. Se sei emotivamente coinvolto nel tuo lavoro, è spesso difficile vedere quando una composizione è fuori bersaglio, per esempio.
Una buona strategia è fermarsi periodicamente, forse a circa un terzo del percorso di un dipinto e dare un’occhiata alle grandi relazioni complessive. È qui che puoi identificare le aree deboli nella profondità del colore e le sue relazioni con altri elementi formali come temperatura, intensità cromatica, differenze di bordo, dimensioni del tratto, angoli della composizione e primo piano, via di mezzo e sfondo.
Le revisioni dovrebbero essere fatte immediatamente se il colore non emana un senso di profondità. A volte, è semplice come migliorare l’intensità cromatica o la chiarezza del primo piano. Questa tende ad essere l’area più problematica di colore, valore e consistenza per la maggior parte degli artisti. La parte che amiamo di più è quella su cui tendiamo a concentrarci, come la bellissima fascia blu oltremare all’orizzonte. Quel tratto luminoso avrà meno significato se il primo piano è debole o se si trascura la profondità del colore e le relative relazioni.
Nella pittura dove sono necessarie profondità e prospettiva aerea, il colore deve essere costruito in relazione ai bordi e ai tratti, l’intensità cromatica alla neutralità, la dimensione e la chiarezza delle aree e l’immagine calibrata ed equilibrata e valutata nel suo insieme.
Come Creare Profondità Con Il Colore: Consigli Da Asporto
Als piano in quattro punti per il successo
1. Pianifica le tue relazioni cromatiche con bordi, intensità cromatiche e scale. Questo ti aiuterà a creare una prospettiva aerea.
2. Risolvi i problemi e critica il tuo lavoro mentre procedi, usando le qualità visive discusse per apportare aggiustamenti e modifiche.
3. Invece di concentrarti sui dettagli e sulle aree preferite, considera sempre la relazione generale tra profondità e forma in un dipinto.
4. Considera l’intero dipinto e la relazione tra il colore e altri elementi.
